È creatrys creA Creatività'creò crea EVENTO Di risonanza PanEVENTO crea in Sé è nullità PanEVENTUAl di là'EVENTOntOlOgy. Crea L''EsserEVENTO CRea PANEVENTO D'exstaSi L'in sé crea là metaspaziotempora exstatica RaduRa nulla. EvenTEkxstasi crea EVentuxd'Exstasi crea CreodoeVento creaEVENTO nel nulla CRea RaduREVENTO CrEaleggia Già MetaEVENTO vi è crea in sé Gogh, un uomo distrutto pieno di nostalgia,vagava avanti a dipingere.
Voleva tornare alla terra.
La sua figura Contadina il mito del 20 ° secolo 67 lavoro era davvero moderno, cuore dell'arte moderna, che né il Rinascimento, né la scuola olandese né i greci avrebbero potuto fare.
Si torturato per questo ideale e ha promesso che se avesse posseduto il potere in precedenza, allora egli avrebbe dipinto figure sacre.
Questi sarebbero stati uomini come i primi cristiani. Oggi sarebbe perito con questa idea.
Ha dipinto senza pensare. Ha dipinto senza spirito razziale. Le sue scelte folli inclusi: cavoli, lattughe, apparentemente al fine di calmarsi e Vincent dipinte alberi di mele, cavoli e pavimentazione pietre delle strade. Alla fine è diventato assolutamente folle. Gaugin ricercata bellezza ideale nei mari del sud. Ha dipinto la gara dei suoi amici delle donne nere, la natura malinconica, lascia ricco di colori e mari. Anche lui è stato interiormente disintegrato come tutti coloro che hanno viaggiato tutto il mondo alla ricerca di una bellezza perduta, se i loro nomi siano Bocklin, Feuerbach, Van Gogh o Gaugin. Alla fine, questa generazione si stancò della sua ricerca e si arrese al caos. Picasso, una volta copiati i vecchi maestri con la massima cura e dipinto potenti immagini in mezzo - uno di loro è appesa a Mosca - al fine di offrire finalmente la sua Teoria - illustrazioni in piazze argilla colorata chiare e scure ad un pubblico senza direzione. I parassiti giornalistiche sequestrati avidamente su questa nuova sensazione, ed è cresciuta entusiasti su una nuova epoca per l'arte. Ma ciò che Picasso ancora vergognosamente nascosto dietro artifici geometriche, apparso apertamente dopo la guerra mondiale con franchezza arrogante. Il bastardo ha affermato di rappresentare nei suoi aborti bastardo prodotte dalla sifilide spirituali, un infantilismo come espressione dell'anima. Si dovrebbe studiare a lungo e con attenzione, per esempio, i ritratti Sé, come Kokoschka, in ordine - Di fronte a questa arte di idioti - di cogliere la vita interiore orribile di esso. Un autoritratto idiota di Kokoschka! Hanns Heinz Ewers racconta una breve storia di un ragazzo che era così innaturale di disposizione per fare un piacere speciale a malati con l'elefantiasi. La nostra intellettualità europea si trova oggi che, attraverso penne ebrei, adora il Kokoschka, Chagall e Pechsteins come i leader del arte del futuro in una condizione identica. Caratteristiche di degenerazione sono già evidenti, come, per esempio, con Schwalbach, che rischia di rappresentare Gesù come piatto dai piedi e l'arco zampe. Lovis Corinth mostra una certa robustezza, ma questo maestro macellaio del pennello anche disintegrato in argilla colorata cadavere bastardy: una Berlino sotto l'influenza siriana! Impressionismo, originariamente portato da forti doti di pittura, una volta era il grido di battaglia di un intellettualismo tutto disintegrazione. Lo studio della atomista del mondo anche atomizzata di colore. La scienza naturale, offuscato nella comprensione, ha trovato il suo deflusso nei professionisti e teorici dell'impressionismo. Il mondo Mythless anche creato un'arte Mythless di sensualità. Gli uomini che volevano interiormente di fuggire da questa desolazione crollati. Van Gogh è un tragico esempio di desiderio insoddisfatto impazzito. Gaugin è un altro tragico esempio del tentativo di rendersi liberi di intellettualismo. Solo quelli come Paul Signacs andato sulla pittura, senza ostacoli e con indifferenza incollando i loro pezzi a colori insieme. Questi uomini stavano impotente nel loro presente. I loro avversari, allo stesso modo, senza dubbi, avevano le spalle al futuro. Il destino omerica che era stato una volta promesso di Bocklin era già stato deciso. Per appendere l'Isola dei morti sulla propria parete oggi è diventato una cosa impossibile verso l'interno. Il gioco delle ninfe tra le onde forza un materiale su di noi che noi semplicemente non possiamo più sopportare. Le donne con abiti blu greci sotto i pioppi, lungo il torrente scuro; Flora a grandi passi attraverso il campo, il giocatore arpa ragazza sulla terra verde - queste sono cose che significano per noi un'assurdità artistica. potente originalità Bocklin s 'è come si rompe avanti in eterno nelle sue numerose opere. Ma una generazione di eclettici che, respinto dagli insegnamenti atomistica del 19 ° secolo, si voltò a guardare il 16 ° secolo, si sentiva Bocklin nella sua stessa debolezza di essere un rifugio di fantasia tedesca. Gli sforzi per preservare per noi questo lato della sua natura sono stati di fedeltà toccante. fantasia eccessiva aveva, tuttavia, in gran parte, non dominato la vita, ma piuttosto, è galvanizzato modelli antichi. E ha preso piede con forza e in una mossa ingannevole dei mezzi di comunicazione della rappresentazione. Bocklin è più potente quando abbandona allegorie. Oggi, pensiamo che con la stessa mancanza di apprezzamento per molti tentativi classici, proprio come ci si chiede a Jacob Burckhardt, che, in tutta serietà, ha fatto studi artistici valutare sulla base di imitazione di edifici rinascimentali della propria giornata. Tali uomini, che si sono circondati con mobili e quadri dei grandi tempi che rappresentavano, in modo magico, la nascita dell'uomo moderno nella cultura rinascimentale, non hanno avuto alcun davvero grande incentivo per realizzare la rinascita dell'uomo. Anche se sapevano intuitivamente, temevano un conflitto positivo con lo spirito del tempo impressionista. Si ritirò dalla vita e praticavano il loro talento su oggetti non idonei. L'intera tragedia di un tempo Mythless si manifesta anche nei decenni successivi. Intellettualismo non è stata voluta. Le dissezioni infinite di colore erano disprezzati. sensazione corretta ha portato ad una ricerca di liberazione, di espressione e di potere. La conseguenza di questa grande tensione era dell'aborto chiamato dell'espressionismo. Un'intera generazione gridato di espressione ma non aveva niente a che esprimere. Si gridato per la bellezza ma non aveva più alcun ideale di bellezza. Si voleva raggiungere la creatività nella vita, ma aveva perso ogni reale potere formativo. Poi l'espressionismo è diventato il modo e, quindi, invece di creare una nuova forza, stile formando, la tendenza al ribasso continuato. Dentro di sé indisciplinati, arte primitiva è stato inghiottito da una generazione corrotta. C'era eccessivo elogio del Giappone e della Cina, e tutto serio arte nordica europea è stato attribuito in Asia. Grandi talenti come Cézanne e Hodler sono stati sconfitti nella loro lotta per un nuovo stile, nonostante tutti i tentativi da loro allievi ad aggrapparsi a questi due come gli alfieri di un nuovo testamento, e nonostante tutti i tentativi da parte di critici letterari per fabbricare oggetti di scena intellettuali sotto lo sforzo . Così un misticismo birreria alternato con cerebrism, il cubismo e il caos lineare, fino a quando la gente si stanca di tutto questo e ancora una volta hanno tentato - invano - di scappare con la nuova ondata di obiettività. L'essenza di tutto questo sviluppo caotico risiede nella perdita di quella ideale supremo di bellezza che, in tante forme e sforzi, è stato il fondamento portante di tutta la creazione dell'arte europea. Le dottrine democratiche, razziale distruttivi, e il folk eliminando metropoli uniti con la deliberata opera ebraica di decomposizione. Il risultato è stato che non solo le ideologie e le idee di stato compresso, ma anche l'arte del West Nordic. Qui siamo arrivati ??a uno dei criteri più profondi di tutti gli studi d'arte, ma che tutti gli esteti accademici hanno sempre trascurato; infatti essi hanno difficilmente sospettato. L'estetica è, tra le altre cose, che si occupano di giudizi di gusto. Essa esige che un'opera d'arte non solo dovrebbe piacere a un uomo, ma trovare riconoscimento universale. La ricerca di questa legge universale del gusto si è surriscaldato teste per secoli. Di conseguenza, il presupposto di tutte le polemiche è stato trascurato: Un'opera d'arte può solo per favore se si muove nel quadro di un ideale organicamente limitata del mito del 20 ° secolo 68 bellezza. Kant (Kritik der Urteilskraft, pagina 17), ha dato la definizione che: La bellezza è una forma di purposefulness di un oggetto, in quanto questo è visto senza l'idea del suo avere uno scopo. Qui Kant ha espresso un pensiero profondo, ma trasse la conclusione erronea che si deve assumere un senso estetico comune. Questo senso estetico poggia su una modalità puramente umana di forze di percezione, cioè, a condizione mentale, ed è universalmente comunicabile. Con questo, Kant deviato la sua ricerca in un momento critico in una direzione fatale. La bellezza della Venere di Giorgione ha un effetto su di noi come inconsciamente propositivo. Ogni altra bellezza veramente razziale, che è, la bellezza che è condizionato da un'anima organico, ha lo stesso effetto. Come una conclusione logica dalla prima percezione kantiana, ci rendiamo conto che la domanda di validità universale di un giudizio di gusto nega la possibilità di un ideale razziale della bellezza. Pertanto, si estende solo a quegli ambienti che, consciamente o inconsciamente, portano nel loro cuore la stessa idea di bellezza. Una volta che ci rendiamo conto di questo fatto fondamentale, abbiamo necessariamente negare tutte le precedenti teorie estetiche. Allora e poi è solo il modo preparato per una teoria del bello che trova l'estetica legati all'anima organico. Abbiamo quindi negare qualsiasi estetica individualistici atomistico. Nel tentativo di separare l'oggetto estetico da tutti gli elementi nonaesthetic, il contenuto è sempre separato dal modulo al fine di evitare la commistione eterno di prediche morali ed estetica. Questa differenza necessaria nella metodologia non è completa in sé. Non dobbiamo mai trascurare la più importante di tutte le cose - il grande contenuto spirituale dell'arte germanica nordico. La scelta o la separazione di alcuni elementi di contenuto spirituale è per noi un formativa, interamente artistico, processo. Ma dal momento che questo è stato dimenticato a fronte di quella esaltazione unilaterale - ancora falsamente diffuso - di arte greca, una componente essenziale dell'arte occidentale è stato consentito solo a cadere su un lato. Sorpresa non deve essere espresso se il cittadino medio quindi costruisce un'arte morale da ciò che è stato lasciato. Questa conseguenza è apparso perché gli esteti tedeschi, fissamente fissando l'arte ellenica, ha dichiarato che l'estetica si occupa solo di bellezza, cioè, con la condizione di una certa libertà dalle necessità morali, pressione meccanica e tensione spirituale. Ma questa bellezza greca era solo uno - forse statica - elemento della vita ellenica. Per quanto si può porre in discussione se si tratta di architettura, scultura, l'epica e la tragedia che è la più grande eredità di Hellas, è fuor di dubbio che verso l'interno e verso l'esterno l'arte plastica è stato l'inizio della fine di tutta l'attività artistica greca. Nella tragedia di Sofocle è conservato questa arte plastica statica. Anche nelle opere orride di Euripide, il destino appare meno uno stato interiore e di sviluppo che come un intreccio di condizioni incomprensibili e l'essenza esteriormente distruttiva. Questa stessa bellezza nell'arte è un peccato contro lo spirito dell'Europa. La nostra arte era fin dall'inizio, non adatta ad una bellezza basata su plastica, ma su di movimento spirituale. Ciò significa che non era la condizione esterna che è diventato la forma, ma il valore spirituale nella sua lotta con altri valori o forze opposte. Attraverso la scelta di contenuti come standard dare impulso all'opera d'arte, mentre la sua forma condizionata, arte nordica è significativamente più adatta alla personalità e la sua illuminazione che era ellenistica. La più alta opera d'arte occidentale non è quindi ciò che è più bello, ma quello che meglio si penetra nel nostro essere spirituale, le nostre anime. È questo fattore di forte forza motrice attivo che non appartiene all'estetica greche. Piuttosto, è incorporato nel Nordic ovest come un problema di forma, e allo stesso tempo senza relazione a ciò che è puramente razionale o morale. Come in molti altri casi, Schiller visualizzata l'intuizione giusta per istinto, e nonostante i suoi pregiudizi per l'arte greca, anche se lui ha mancato di trarre le opportune conclusioni. Ha scritto: Quanto attenzione che paghiamo in giudizi estetici al potere, piuttosto che alla sua direzione; quanto di libertà che di conformità è sufficientemente rivelato dal fatto che noi preferiamo vedere potenza e libertà espressa a scapito di conformità piuttosto che, viceversa, a spese della prima. giudizio estetico contiene in questo più che è vero che uno di solito crede. Chiaramente, i vizi che danno prova di forza di volontà rivelare una maggiore disposizione alla vera libertà morale di virtù, che prendono in prestito il sostegno di inclinazione naturale, perché costa un mascalzone una sola vittoria su se stesso per trasformare tutte le conseguenze e la forza di volontà che ha spreca al male, al bene. Queste parole dichiarano apertamente un lato della spiegazione. Perché, per esempio, sono figure come Richard III e Iago in grado di avere un effetto estetico su di noi? Essi hanno effetto a causa del potere una legge interna ha su di noi. Senza quella luce interiore siamo tentati di dare giudizi moraleggianti assurde. E 'il potere di questa forza interiore che ci riconcilia con tutto. Tuttavia, questo è stato quindi non solo dal Shakespeare, ma è stato così dall'inizio dell'arte tedesca. Il Canto dei Nibelunghi è il risultato del potere della vera creatività nell'arte occidentale. Questa grande storia si muove l'anima e libera lo spirito. Anche nella sua forma più povera ancora mostra artistica perfezionato di primissimo ordine. So che le obiezioni saranno sollevati contro il confronto della Canzone dei Nibelunghi con l'Iliade, perché lo sviluppo storico del popolo greco e tedesco non erano simultanea. Tuttavia, un confronto è possibile se si seguono le leggi eterne della forma. Se la canzone dei Nibelunghi è considerato abbastanza grande da contrastare con una composizione artistica, che è diverso da quello, ma uguale, l'Iliade, allora anche noi ci troviamo in disaccordo con il Goethe che ha dato la certezza che non si dovrebbe permettere uno di godimento di la grande epopea tedesca per essere ridotta attraverso il confronto con la greca: troppo grande asta di misurazione è stato portato via da Homeros. L'Iliade e il Cantico dei Nibelunghi sono abbastanza spesso paragonato con l'altro, ma solo dopo lunga riflessione dai germanisti, e solo dopo un parere che si è fatta attendere dagli ellenisti. Il risultato di tale confronto fino ad ora è sempre stata che l'Iliade si trovava molto al di sopra della poesia tedesca. La cosa peggiore che si poteva dire dell'Iliade è che era piuttosto violenta. Oggi si è soliti respingere questi punti di vista che sono nati di una fede nella validità universale dei canoni dell'arte greca. Ammettere che un'opera d'arte può presentare forti personalità significa che è stato prodotto da una forza creativa formativa di intensità identici. Essa ha una forma diversa dalla greca, ma è uguale ad esso, specialmente in qualità artistica. Quando portiamo davanti agli occhi della nostra mente la ricchezza e la scultura vivente dell'Iliade, i diversi modi, per esempio, in cui Agamennone suscitato suoi capi dell'esercito per combattere e le descrizioni ricorrenti di singoli combattimenti, poi, al confronto, tedesco poesia eroica fa non sembra così ben definito. La 'tecnica s quest'ultima è spesso maldestra. Le descrizioni si ripetono qua e là. Queste ripetizioni sono, a quanto pare, successive integrazioni menestrello. Il Canto dei Nibelunghi non è mai stato formalmente lucido. Nonostante tutto questo, il Nibelunghi vivere, dentro di sé, una vita molto più vivido. Le loro azioni scaturiscono dalla forza interiore di volontà e di lotta. Essi agiscono secondo una logica interna e un atteggiamento spirituale definitiva. L'intreccio di azioni, nata dalla dell'interiorità personale, intensifica il tragico contrasto Il mito del 20 ° secolo 69 che porta alla catastrofe. Fin dall'inizio, è naturalmente necessario a guardia contro la tentazione di voler sminuire Homeros come un artista creativo. Si forma un mondo di dèi per il popolo greco che definiscono il modello per centinaia di anni di arte razziale. Ma l'atteggiamento artistico Homeros s 'non corrispondeva alla nostra natura. Le sue figure si muovevano nella sfera mezzo della umana. Essi non scendono a profondità spirituali misteriose. Essi hanno mostrato alcuna nostalgia per le altezze finale. Le azioni non sono formate da una volontà di ferro. I personaggi non appaiono come espressione dei poteri divini della volontà dell'uomo stesso. Sono, piuttosto, determinati da esterni. Quando, dopo una lotta durata di dieci anni, Troy era finalmente caduto, la causa di questo conflitto tra i popoli, una signora, è stato anche liberato. Helen apparve in mezzo ai combattenti. Homeros non ha descritto la sua bellezza. Piuttosto, ha pagato più attenzione al impressione ha fatto sui suoi dintorni. I guerrieri che hanno perso amici e fratelli, che avevano subito un migliaio di privazioni - tutti hanno scoperto che era stata vale il costo, per hanno versato fiumi di sangue per questa donna, per questa bellezza. Un tale atteggiamento è veramente greca: se Helen era dentro di sé la pena di essere immessi nel punto centrale di un dramma tra i popoli, non è importante. E 'probabilmente il caso che la donna probabilmente aveva sentito altrettanto a suo agio con Parigi come nel re del letto di Sparta. Nessun tipo di dolore sul suo destino viene registrato. Una bella cortigiana è dunque la causa della guerra tra i due popoli. E 'sorprendente che una donna è stata considerata una ragione sufficiente per la guerra. Forse ci sono situazioni simili che si trovano altrove nella storia, ma qui un poeta usa questo fatto come base per un lavoro potente. Così, nella scelta di contenuto spirituale, rivela già una forma creativa che è interamente oppone alla nostra natura. Il demone di lavoro all'interno manca o è stato spinto consapevolmente da un lato. Forma e bellezza appaiono al suo posto. Proprio come la piccolezza e la solitudine della polis greca permesso al cittadino una visione chiara delle condizioni che hanno determinato la sua vita senza imporre un domanda sbilanciato sulla sua capacità di giudizio, per cui lo spirito greco è anche mostrato la capacità chiara delimitazione di cui all'art. Questa certezza di scopo artistico si rivela altrettanto in Iktinos e Kallikrates come è nel Fidia, Homeros e Platon. Nulla rimane senza contorno chiaro, tranne che meno è inespresso. Tutto prende forma - se così si può mettere - in forma concentrata, e chiarito con un'oggettività illuminante. Una volta che questo è stato completamente riuscito, poi il greco non è diventato stanco di trasformare continuamente il tema di fondo trovata nel modo più vario. Si tratta di una peculiarità che Goethe spesso elogiato nelle sue trattative con Eckermann. Non c'è niente di più magnifico di il modo in cui Homeros eleva la natura di una forma d'arte. Incontriamo nessun lunghe descrizioni della natura. Piuttosto egli utilizza un contenuto atmosferico, che riflette uno stato d'animo, del materiale a disposizione compressa in parole. Questo meraviglioso, forma concisa usata da Homeros è stata la magia con la quale ha più volte dichiarato dei secoli sotto il suo incantesimo. Esso domina tutte le sue opere e respira in tutti i dettagli. E 'una cosa di eterna giovinezza e sempre presente l'immortalità. La sua unicità sta nella sua forza creativa di essere in grado di distogliere lo sguardo dalle descrizioni della natura, immediatamente li umanizzare, di avvicinarli a noi attraverso la somiglianza con forza ritratta. Homeros sempre descritti gli Achei stessi come blindato bronzo. Achille passava attraverso il suo assedio funziona come il corridore agile, Ettore camminava con il suo casco folta agitando davanti alle porte di Troia; Era, il fuoco dagli occhi dea, corteggiato Zeus; le navi greche sono stati esaurientemente descritti da solo due parole: buio e ad arco. Tutto questo ha un affetto come le pennellate di un grande pittore, che con un solo movimento, costringe il colore e la linea di una creatura sulla tela. Questa è la forma nella sua più alta perfezione. Questo è il messaggio di gioia dei greci. Se Goethe costituito da una parola composta, per esempio, morgenschon (nel suo poema Heidenröslein) - ha usato questa forma solo una volta, allora ecco la stessa legge artistico è mostrato come quella che ha formato il respiro spirituale della vita ellenica. Il poeta germanica selezionato e sagomata in modo diverso. Il contenuto spirituale che si forma non è la persona, ma una personalità sviluppata e determinata dalla volontà. eventi esterni sono solo un'occasione per l'espressione e conseguenza di un personaggio - non la sua causa - o della realizzazione completa del senso interiore della volontà umana. Onore e fedeltà appaiono in tutte le forme, come la forza motivante all'inizio di arte nordica. Gudrun è portato via come Helen, ma lei non si arrende se stessa. Preferisce servizio come cameriera di una vita in disonore, anche se Hartmut, nella sua mascolinità e knightliness, ha rappresentato un modo ineguale maggiore, e basata più artisticamente, causa per la devozione che la dolorosa di Parigi. Ma la bellezza, e, soprattutto, l'orgoglio e la lealtà della figlia del re, ci ha fornito un motivo artistico soddisfacente sufficiente a causare la sanguinosa battaglia sul Wulpensande da combattere. La tragedia dei Nibelunghi è radicata in questa giustificazione verso l'interno: il personaggio verso l'interno come il valore supremo. Se la personalità di Siegfried era stato dipinto come un buono a nulla come Parigi, l'amore coniugale di Brunilde non sarebbe stato comprensibile per noi. Il suo demoniaco fedeltà femminile sarebbe stato credibile a nessuno. Nessuno di noi avrebbe trovato il tradimento non solo dei fratelli, ma di tutti i Burgundi comprensibile, umano o artisticamente soddisfacente, se la figura di Siegfried era stato rappresentato come il dio morente della primavera, come una luna o un dio sole. Nel momento in cui è apparso in una poesia, come personalità divenne contenuto da forma. Se perfetta genialità deve essere incarnata da nessuna parte, allora è qui. Ovunque appare Siegfried, tutti i cuori volare a lui. Dove avrebbe potuto aiutare, si mise senza esitazioni, disinteressatamente e con fiducia, al servizio di amici scelti. Attraverso l'amore invita - per il modo della sua corteggiare Brunilde - la colpa su di sé. E attraverso questo senso di colpa che perisce. Il suo avversario, Hagen, è un misto di avidità e incondizionata fedeltà virile, una figura che, nella sua delineazione schematica gigante, rappresentato artisticamente la controparte più forte per il radiante Siegfried. Ha rappresentato un tipo di coraggio incondizionato che, in conclusione, grazie alla consistenza Hagen s 'fino alla sua morte, ci ha riconciliati con gran parte di ciò che aveva violato. L'incontro di Kriemhilde con Hagen e Volker alla corte di Etzel è una delle immagini poetiche più drammatici che possono essere concepite. La ronda di notte dai due compagni e il canto del menestrello sono esempi di splendida, poesie virile. Con tragica necessità, il conflitto natura diversa tra loro, come il senso di colpa e di espiazione, e dare vita a nuovi sensi di colpa, come combatte onore contro l'onore, la lealtà nei confronti di fidelizzazione. Questa allegoria si incarna in un personaggio umano che è il potente creazione della natura nordica germanica come appare fin dall'inizio, più grande della vita, nell'arte germanica. Queste forze, se amare o la lotta, sono il materiale con cui una grande sintesi poetica è emersa. E 'del tutto inutile discutere quante mani hanno lavorato sul Cantico dei Nibelunghi perché è chiaro che molte poesie sono diventate una sola opera. Le ultime ricercatori affermano che la figura del Rùdiger è stata la finale aggiunta aggiunta di un quinto poeta. Tuttavia, questo era un grande artista. In tutto il mondo della letteratura si cercheranno invano per una personalità di così semplice grandezza interiore come quella incarnata nel mito della 20 ° secolo 70 Margravio Rudiger. Si è costretti a riconoscere la forza spirituale e il potere che esiste in questo nuovo personaggio. spicca fra tutti il ??giuramento di fedeltà alla sua regina, la costituzione in pegno del suo onore virile che deve trionfare su tutte le altre forme. Ha affrontato i vecchi amici, gli ospiti i quali ha guidato tutto il territorio e per il quale ha garantito protezione. Ha affrontato anche la promessa sposa di sua unica figlia. Così Rudiger prese morte consapevolmente su di sé con una volontà di ferro, anche se, con l'inermità di Etzel e Kriemhilde, una tentazione forte ancora è cresciuto a rompere la sua parola. L'idea di onore divenne la forza che ha motivato tutte le sue azioni. Si dovrebbe anche prendere in considerazione in questo riferimento la figura di Achille, uno dei più scintillanti realizzazioni eroiche di tutti i tempi, ma che, a causa di un affronto personale, ha lasciato tutto il suo popolo, senza un leader. Consideriamo poi il margravio Rudiger, il quale, prima che la sua battaglia fino alla morte, ha presentato il suo scudo a un avversario al fine di confrontarsi con lui in armatura completa. Si può stimare l'abisso che esiste qui tra figura e contenuti. Le anime dei due popoli di tipo diverso sono al lavoro, sia di chi ha trasformato la natura in arte. Quello ha permesso i suoi uomini a piangere ea ridere, amore, odio e compiere azioni eroiche, ma non ha fatto la volontà in un potere tutto motivante; ha lasciato fuori la personalità come il fenomeno shaping, e lo ha applicato tutto l'amore per il mondo esterno. Con parola o scalpello, ha creato un'arma meravigliosa per trasmettere la bellezza; d'altra parte, l'arte nordica immerso nelle più profonde viscere della volontà umana e raccolse tutte le potenze dell'anima in un tutto verso l'interno, artisticamente condizionata, senza concedere bellezza formale il peso decisivo. Anche i più grandi opere degli uomini mostrano un punto debole - anche la Canzone dei Nibelunghi. Il rapporto di Sigfrido di Brunilde non è stato così completamente ben radicata nella versione attuale come lo era nelle vecchie tradizioni. Questo rapporto ha trovato la sua interpretazione finale nel Edda. Il Lay della morte di Sigfrido è una delle massime espressioni della natura germanica. E 'il canto d'amore, la fedeltà, l'odio e la vendetta. Si deve cessare quanto riguarda questi poeti della nostra storia molto presto come i responsabili versi goffi, come è il caso del solito. Nonostante tutto il riconoscimento condiscendente dai nostri esperti di estetica, ci sono grandi personaggi di queste poesie. Dobbiamo riconoscere questi autori tra le fila dei più grandi artisti creativi di tutto il mondo. Solo un artista crea veri e propri personaggi, personalità vivente. Così, figure che sono rimaste un'allegoria senza tempo della nostra natura nel corso dei secoli, non può che essere il risultato di genio artistico e potere formativo. Nessun eroe nobile potrà mai stare in piedi sotto il sole di terra che tu solo, Siegfried. Comprendiamo Goethe quando dice: Homeros scrive con una purezza prima che uno è sgomento - un'osservazione che, di fatto, smentisce le sue altre confessioni di armonia. Crediamo che siamo in possesso di un apprezzamento del controllo artistico sé e della grandezza epica di Homeros. Abbiamo ragione se pensiamo della potente creazione della Canzone dei Nibelunghi come grande arte. Se Homeros è stato riconosciuto come uno dei più grandi artisti di tutti i tempi e di tutti i popoli, allora è il momento di pensare anche della Canzone dei Nibelunghi nello stesso modo. Così, come allegorie dell'arte folk, i due poemi si levano in piedi uno di fronte all'altro. Ci si rivolge più verso la nascita interiore della forma chiara. L'altra lotta con la tragica epopea di lotta spirituale. Homeros padronanza del materiale, i poeti della canzone dei Nibelunghi - e creatori di tutte le poesie germanici - il contenuto spirituale. Questi diversi obiettivi sono condizionati dal temperamento e riflessioni. Le grandi opere d'arte di culture diverse non possono essere misurati con uno e lo stesso standard. Quindi si ha la necessità diverse filosofie di arte per ciascuna, al fine di rendere giustizia ad ogni tipo essenziale. Così come non si può avvicinare Michael Angelo con lo standard utilizzato da Fidia, né si può utilizzare un solo standard quando contrasta l'epica ellenica con il tedesco. Entreremo in singoli dettagli più tardi. riflessioni precedenti, tuttavia, ora portano ad un altro fatto che non è solo universalmente trascurato da esteti, ma che è categoricamente negato da loro: l'esistenza della volontà estetica. La negazione di un tale volontà è forse il capitolo più vergognoso dell'estetica tedesca. Ci sono prove significative per dimostrare che gli artisti europei hanno lottato per raggiungere il contenuto spirituale e la forma. I professori di estetica hanno ignorato questo fatto. E 'stato un dogma che l'arte era preoccupato solo con sentimenti apparenti, una sorta di nebulosa bellezza, in aumento, non toccata dalla vita, dagli studi polverose di studiosi. Per il bene della morale della volontà è stato rivestito con uno scudo protettivo che protetto da tale follia. Richard Wagner scrisse per Mathilde Wesendonck: Loro sanno che quelli come noi guardare né a destra né a sinistra, né avanti né indietro. Il tempo e il mondo sono indifferente a noi e solo una cosa che ci determina - la necessità per la liberazione della nostra volontà. Balzac confessò in cugina Bette: il lavoro costante è la legge dell'arte come della vita, per l'arte è idealizzato creazione. I grandi artisti, i poeti completi, attendono né il comando né ispirazione. Essi danno vita oggi, domani, sempre. Da questo segue l'abitudine del lavoro, questa costante conoscenza delle difficoltà che li mantengono in concubinato permanente con la Musa, con il potere creativo. Tali pensieri, purtroppo,Non sono giunte alle orecchie dei nostri filosofi di estetica. E 'giunto il momento di stabilire la presenza della volontà estetica creativa. Esiste in entrambi gli artisti e coloro che commentano la loro arte. In presa di coscienza della scelta del contenuto spirituale, e nel desiderio della volontà, l'essenza del concetto occidentale Nordic di bellezza si rivela. Esso non può essere compresa attraverso la biologia. Si può intendere soltanto. L'essenza dell'esistenza umana è, corporale e spirituale, una sempre rinnovata assimilazione di materiale che penetra dall'esterno e che viene fabbricato dalla nostra volontà. La volontà formativa e lo spirito cogliere l'ambiente e il mondo interiore. Tale processo formativo è in gran parte fatto attraverso la percezione, ma può anche essere codetermined con un atto di volontà, se questo porta al santo, ricercatore, pensatore, statista o artista. Ogni forma è un atto. Ogni azione è essenzialmente una scarica di volontà. La nostra ricerca in psicologia dell'arte si occupa quasi esclusivamente di come apprezziamo e come contempliamo l'arte. Essi ritengono che questa ricerca è corretta e giustificata, ma sappiamo che dobbiamo andare oltre la loro ricerca se vogliamo scoprire la volontà artistica. Prima motoria e sensoriale, influenze emotive e intellettuali di un'opera d'arte può essere discusso, il nostro punto di partenza deve essere chiaramente stabilita. La legge del moto perpetuo è valida non solo nel fisico, ma anche in quella spirituale, regno. Esso ci appare come evidente che la volontà eroica è irrequieto e crea più di se stesso. I nostri studiosi fanno sforzi particolari per scoprire l'energia iniziale di un fenomeno religioso o politico. Enormi volumi sono scritti in modo da collegare la struttura di pensiero dei nostri tempi con particolari pensatori del passato. Questo Il mito del 20 ° secolo 7 1 attività da profess
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